http://www.my-forum.org Ultimos Mensajes del foro ¡Oh, la HISTORIA! es     Lillian Gish Un lirio en Hollywood   De belleza indicutible y carisma inolvidable, la actriz norteamericana Lillian Gish ha sido la de carrera cinematográfica más longeva en Hollywood , ni mas ni menos que 75 años en activo . Fue pionera en el cine, cuando éste -por supuesto- era mudo a manos y en manos de unos locos como D W Griffith y otros , que corrían cámara en mano a rodar un plano , y donde las secuencias  -generalmente- se hacían en una sóla toma y los especialistas y primer actor : eran la misma persona . Lillian Diana de Giche nació el 14 de octubre de 1893 en springfield, en el seno de una familia cuyo padre , alcohólico, dejó abandonadas a las dos hermanas Gish y su madre . Y dado que su situación era de lo más precaria , la animosa cría ya a la edad de 6 años, junto a su madre y hermana , hacía sus pinitos en el mundo de la interpretación en teatrillos locales . Siempre junto a su hermana menor , Dorothy, Lillian empezó su carrera como actriz de teatro , alternando , eso sí , con algunos trabajillos como modelo. En 1912 , y gracias a la amistad que -desde la infancia- las hermanas Gish tienen con la  antaño Gladys Smith, y  rebautizada ahora como Mary Pickford (imagen a la izda) ,  posteriormente apodada  "La novia de América ", llegan animadas por  la actriz en ciernes  al incipiente Hollywood a probar fortuna . Es allí donde  , de la mano de Mary Pickford , son presentadas a David W. Griffith (a la drcha) pionero director considerado "El padre del montaje"  y auténtico motor del Hollywood de los comienzos , que   puso las bases del lenguaje cinematográfico con recursos expresivos tan utilizados y conocidos hoy día como son el primer plano o plano corto, el fundido-encadenado , el flashback , los movimientos de cámara y la iluminación en exteriores.   Griffith quedó impresionado por el talento de las dos hermanas, pero sobre todo por el de Lillian , con quien llegaría a rodar hasta 12 películas en ése mismo año .  Ambos construirían una nueva forma de narración cinematográfica , con especial significación por la utilización del primer plano, que Lillian sabía adecuar a las emociones requeridas de forma extraordinaria.  Las hermanas Gish Sin embargo su verdadero salto a la fama no llegaría hasta tres años después, con  "El nacimiento de una nación ", también con Griffith . Las películas más importantes de la pareja fueron "Judith de Bethulia" (1914), "El nacimiento de una nación" (1915), "Intolerancia" (1916), "Lo más grande en la vida" (1918), "Lirios rotos" (1919) y "Las dos huerfanas" (1922).  D W Griffith llegaría a decir de ella : "No sólo es la mejor en su profesión , sino que tiene la mente más despierta de todas las mujeres que he conocido" Hasta los primeros años de la década de 1920, Griffith la dirigió en casi todas sus películas, pero luego ella protagonizó producciones de gran presupuesto en compañías menores, lo cual le permitía controlar los guiones y escoger a  los  directores , prueba de ello son sus trabajos con : Henry King ,  King Vidor , Victor Sjostrom o Fred Niblo Pronto Lillian fue catalogada como una de las grandes heroínas de la pantalla , hasta el punto de que en 1920 ésta pionera se atrevió a algo más e hizo su debut como directora en : "Remodeling Her Husband ", un film en  donde su hermana Dorothy era la protagonista . Se comentaba por aquel entonces la posibilidad de una relación amorosa con Griffith, pero que en realidad jamás existió . De hecho, y aunque tuvo algunos romances conocidos, Lillian nunca se casó . Mujer independiente y de ideas muy claras , fué siempre muy caústica en sus comentarios, envueltos sin embargo en ese halo dulce tan peculiar suyo junto a ese brillo de inteligencia en la mirada . Lilian aprendió rápido junto al mejor . Llegó a saber a la perfección todos los entramados  y trucos de detrás de las cámaras ; a menudo corregía a los técnicos de luces para que éstas fueran cruzadas y no cenitales : " La luz desde arriba logra convertir a una niña en una bruja "   Por eso, cuando en 1926 firmó un contrato con la MGM, consiguió el derecho de ser una de las pocas actrices con poder sobre las cámaras y el director.  Pero en 1925 , junto con la llegada del cine sonoro , apareció la primera víctima :  la propia Lillian . Su martirio resultó muy oportuno para Hollywood .  La otrora  símbolo de pureza radiante hasta el momento , convenía que dejara paso a las nuevas  Sex Symbols ... y : lo que hasta ahora había sido estupendo para el negocio,  pasó a ser denostado y tachado como insulso ; tanto es así que -y a pesar del éxito obtenido por la película-, en 1926 comienza el acoso y derribo directo y aparece la primera crítica feroz contra su persona, un comentario aparecido en la revista Photoplay , absolutamente demoledor sobre el film "La letra escarlata " , dirigida por Víctor Sjostrom: " Lillian Gish sobrelleva la letra roja del pecado con su habitual dulzura virginal  " Así pues, etiquetada a los treinta y un años como una pieza de museo tonta y asexuada, la gran Lillian optó por abandonar Hollywood casi definitivamente y regresar al teatro . Aunque pronto -tras la muerte de  DW Griffith, a quien ayudó económicamente en sus últimos años de vida, cuando éste había sido también relegado del mundo del cine-reaparecería nuevamente en el celuloide .   Sería en 1946, cuando su papel como Laura Belle junto a  su eterno compañero : L. Barrymore en "Duelo al sol " , le haría merecedora de una nominación al Oscar como mejor actriz de reparto .   " Lionel Barrymore actuó conmigo , primero como mi abuelo, luego como mi padre y, al final, como mi marido . Si no hubiera muerto, estoy segura de que hubiera tenido que actuar como su madre . Así es en Hollywood : los hombres rejuvenecen, las mujeres envejecemos " Lillian , a pesar de estar magistral (también su papel lo era)  no consiguió el Oscar como actriz de reparto  en aquel momento, pero sí un Oscar honorífico a toda su carrera en 1971 . Dieciséis años después, a la edad de 93 años, Lillian protagonizó su última película, "Las Ballenas de Agosto" junto a Bette Davis.  Y al ser preguntada por su inexplicable ausencia de nominaciones por la película , ni corta ni perezosa se marcó un :  " ¡  Al menos no tuve que perder ante Cher ! "  (Aquel año Cher logró el Oscar a la mejor actriz) El 27 de febrero de 1993, y pocos meses antes de cumplir cien años , Lillian , la apodada : "Primera Dama del cine mudo"  , se nos despedía  definitivamente  .     http://www.my-forum.org/descripcion.php?numero=2484&nforo=105261 http://www.my-forum.org/descripcion.php?numero=2484&nforo=105261 Por cierto..; decir que he visto ¡hasta escrito! por ahí, ¡por Dios bendito!, (sic) "Leni Rienfenstain".  El genio magistral ustedes ya saben, ¡NADIE debería ignorar, mes amis/es!, tuvo, tiene y tendrá saecula saeculorum por nombre el de (*) Leni Riefenstahl. Un poco de por favor, please..; ¿vale? Me he quedado tan y tan PASMADO que me permito dar referencia de su página oficial para que se sepa lo que, si acaso, NO se sabe. Es (¨):  http://www.leni-riefenstahl.de/  Por cierto..; como es posible que haya parte del publique de los foros de la Casa REALMENTE interesado por el thema que vaya, digamos.., como que corto de tiempo y tal y tal, me he tomado la libertad de buscar en la Red algo que pudiese resultarles de utilidad en tanto en cuanto la genial, la irrepetible Leni Riefenstahl... He encontrado un lugar donde siete instantáneas fotográficas tratan de sintetizar su larga y fecunda vida; me permito darles referencia a los efectos que estimen, si acaso, oportunos: http://www.el-mundo.es/fotografia/2003/09/leni/index.html  De la misma forma, también doy a beneficio de inventario referencia de la página donde podrán, si lo desean, leer ¡gratuitamente! una reseña de Cristina Castelló sobre la gran, la enorme, la irrepetible maestra de maestros. Es: http://www.fotosub.org/leni.htm Siempre, en cualquier caso, a su disposición, mes amis/es. Jaume de Ponts i Mateu jaumedeponts@terra.es Tortosa (Baix Ebre) -Catalunya/UE- 19/12/2005, 0105 hs. a.m. addenta (¨) también muy interesante, v.g., página:  http://www.dasblauelicht.net/ (*) un esquema de su biografía también lo encontrarán en: http://www.dhm.de/lemo/html/biografien/RiefenstahlLeni/ http://www.my-forum.org/descripcion.php?numero=2282&nforo=105261 http://www.my-forum.org/descripcion.php?numero=2282&nforo=105261 Nuestra estimadísima Aída ha tenido la gentil amabilidad, damas y caballeros, de hacer llegar el siguiente mensaje: Tim Burton & Edward Gorey, tal para cual Tim Burton & Edward Gorey tal para cual Que la personalidad de Tim Burton es peculiar y fácilmente reconocible, es algo evidente. Pero lo que posiblemente sea más desconocido es de dónde o mejor dicho de quien  pescó a lazo Tim Burton la idea para crear lo que luego sería su "sello personal" . Esa base, ése concepto primero hunde sus raíces en el dibujante e ilustrador Edward Gorey Edward Gorey   Edward Gorey (Chicago, 1925-Yarmouth, 2000) fue uno de los artistas norteamericanos más personales e interesantes de la segunda mitad del siglo XX y máximo exponente de la fábula macabra . Su obra trata temas lúgubres como la soledad, la muerte o la maldad, rozan los límites de los tabúes y las convenciones. Acabada la guerra , Gorey, se licenció en cultura francesa e hizo un curso de ilustración. Los comienzos de su vida profesional fueron trabajando por encargo ilustrando portadas para la editorial Doubleday . Pero a la editorial su trabajo les parecía raro , así que harto de que le pusiesen pegas , en 1953 -y mientras era director artístico de ésa editorial- optó por editárselos él mismo creando su propia editorial: Fantod Press. Su primera publicación: El arpa sin cuerdas, un cuento ilustrado, sería el comienzo de una prolífica serie.  Gorey se encargaba personalmente de la distribución en pequeñas librerías , pero los encargados -cortos de miras- nunca encontraban el estante adecuado para colocar sus obras. Aún hoy se le tacha de autor inclasificable o autor de culto descarado.  Pero como la vida es como es, a la vuelta de unos años -concretamente en la década de los 70´s- cuando estos cuentos reaparecieron recopilados en: Amphigorey, una antología en varios volúmenes , Gorey dio el salto al gran público alcanzando la fama , tanta  que logró hacerse con una buena legión de seguidores , entre ellos Tim Burton, del que su La melancólica muerte de chico ostra puede ser considerada un homenaje a "Los pequeñines macabros"  de Gorey.  (Aquí en España estos libros estan publicados por la Ed. Valdemar) La mezcla de sus dibujos a plumilla, con hilarantes versos , producen un efecto realmente chocante en el lector. El sinsentido de Gorey deja mucho a la imaginación y buen ejemplo de ello es su desternillante obra "El sofá peculiar" , un viaje iniciático de la joven Alice descrito en estampas vintage que nos sugiere que se pueden hacer cosas terribles con una cacerola y entretenidos trucos con las patas de palo. Sus personajes, siempre divertidos, nos dejan una curiosa sensación de melancolía soterrada en libros como  Un cubo de basura moral o en la trilogía La hondura del hipo Excéntrico en vida y peculiarmente británico en su obra, lucía el mismo atuendo que sus personajes (abrigos largos y peludos, bigotes y bufanda característicos de la Inglaterra eduardiana o victoriana). Y cuando no se pasaba las horas muertas viendo Buffy la cazavampiros ,  cosía ranas de peluche. La palabra que mejor define a Gorey quizás sea la de macabro, pero también la de humorista, aunque un humor muy negro , que llega a causar cierto desasosiego. Maestro del sin sentido, del absurdo, es Gorey un surrealista . Posiblemente "Los pequeñines macabros" sea su obra más conocida, un particular alfabeto que nos muestra la muerte trágica de 26 niños, cada uno con un nombre que comienza por cada una de las letras. Gorey fue un personaje solitario, no se le conoció mujer, pero tampoco hombre. Hay quien afirma que Gorey era asexual. Un hombre de gran cultura, amante de la pintura, de la literatura y de las artes escénicas, que durante muchosaños no falto ni a una sola representación del ballet de Nueva York. Pero no solo fue un gran amante de ese arte con mayusculas, a la vez era fan de Los Simpsons, serie que veia en su casa, rodeado de gatos.   La peculiar personalidad de Gorey obtuvo su recompensa total ganando un Tony (premios teatrales) por el diseño de vestuario y escenografía en la obra de Broadway: Drácula, en 1977     Tim Burton Timothy William Burton (25 de agosto de 1958 ) . Cineasta célebre donde los haya, sus cintas, de una delirante fantasía oscura y empáticos personajes, lo han convertido en un director de culto . Dibujante, escritor y artista plástico, siendo crío , Burton,  sacaba provecho a su afición por dibujar -por Navidad y Halloween (sus festividades favoritas)- dedicándose a decorar y pintar las casas de sus vecinos en Burbank.  Estando en quinto grado ganó un concurso para diseñar un cartel a favor de la recogida de basuras en Burbank . Y en 1976, a los 18 , consiguió una beca para el Californian Institute of Arts, fundado por la Disney para formar a futuros animadores. Allí realizó varios cortos en Super 8 . Aquellos trabajos eran revisados cada tanto por los cazatalentos de Disney para "reclutar" a los mejores y hacerlos entrar a los estudios. (Fué alli donde Burton conoció a Henry Selick, futuro director de Pesadilla Antes de Navidad ) . De modo que Burton comenzó su carrera en la Disney, formando parte del equipo de animadores de la película Tod y Toby (1981). La gente de la Disney apreciaba tanto su trabajo que , dos ejecutivos del estudio: Julie Hickson y Tom Wilhite se fijaron en su talento hasta el punto de que en 1982, Wilhite entregó 60.000 dólares a Burton para que rodase Vincent , su primera película como director ; un cortometraje que utilizaba una técnica de stop-motion (cuadro por cuadro con figuras tridimensionales).  Vincent Tim aprovechó la ocasión para rendir un homenaje en ella  a Vincent Price, actor al que Burton admiraba desde su juventud y que fue voz y eje central -junto a E.A. Poe- narrando en rima la historia de un niño tranquilo y obediente de siete años que vive inmerso en un mundo imaginado en el que cree ser nada menos que el mismísimo Vincent Price y que -como Burton- idolatraba al escritor. Esta utilización de los textos rimados para acompañar el contenido visual de los extraños dibujos de Burton fue llevada a su máxima expresión en la que es hasta el momento la única obra literaria propiamente dicha del director, el libro de cuentos que escribió en 1997 "La melancólica muerte de Chico Ostra", escrito como vávula de escape a la frustración que le había supuesto la cancelación por la Warner del proyecto para el remake de Supermán, uno de los momentos más difíciles en la carrera del director.  La melancólica muerte de Chico Ostra Desde entonces fue clara la inclinación de Tim Burton por lo gótico, lo fantástico y lo romántico. Y es aquí donde la influencia el escritor e ilustrador Edward Gorey comenzó a ganar peso fundamental , desde : el enfoque de contar historias en tono infantil, pero cuyos personajes son siempre lisiados, fenómenos, seres excluidos de la sociedad o personajes populares que no se sienten en corcondancia con su estatus , hasta esa especie de halo oscuro y Victoriano tan latente siempre después en la obra de Burton .  Y aunque en  1984 realiza el corto  de 27 minutos : "Frankenweenie", en blanco y negro , su primer largometraje -una adaptación al cine de La gran aventura de Pee-Wee- no llega hasta  1985 . Desde su debut se podía detectar un estilo visual propio, oscuro y retorcido, que se confirmó con Beetlejuice (1988), una disparatada comedia de fantasmas . Esta cinta, además de lanzarlo a la fama, fue la que dio a conocer mundialmente su particular visión y su no siempre comprendida estética. Gracias a este trabajo se le encomendó llevar al cine Batman (1989) . Sin embargo, su consagración con un público que desde entonces lo sigue asiduamente llegó con Eduardo Manostijeras en 1991.  Las actuaciones de Johnny Depp, Winona Ryder y Dianne Wiest , así como su estética visual llevada al límite, tanto en la composición de cuadros como en los colores , diseños de los lugares, personajes, y objetos envueltos todos ellos en ternura, lograron para Burton una película de culto. Desde 1990 al 93, Burton trabajó como productor y director artístico en un proyecto que había esbozado desde sus años de animador con la Disney: "Pesadilla antes de Navidad"  una cinta de animación con muñecos tridimensionales. La película fue dirigida por Henry Selick y consiguió más seguidores para Burton, al que siempre se confunde como director de la pelicula . Pesadilla antes de Navidad Pero además de Gorey , Burton tampoco negó la influencia de la ciencia ficción en sus cintas, sobre todo de aquella que venía del cine camp, o películas de bajo presupuesto que se hacían en los años 50: cintas de monstruos, vampiros y otras atrocidades que acabaron volviéndose de culto entre cinéfilos . Esta influencia se volcó de lleno en su cinta Ed Wood (1994), de nuevo con Johnny Depp en el papel principal.  Inmerso en esa iconografía kitsch de los años 50, el siguiente proyecto de Burton fue Mars Attacks ! , de elenco multitudinario y efectos especiales intencio-nadamente anodinos.   Su siguiente proyecto (para el que se demoró tres años), y de nuevo junto a su actor fetiche Johnny Depp fué La leyenda de Sleepy Hollow . Con una fotografía impecable (Emmanuel Lubezki) y nominada al Oscar, la película reivindicó a Burton como un director con un estilo único e inigualable. Pero es en el año 2000, con el remake del clásico del cine de los 60: El planeta de los simios  donde Burton conoce a la actriz Helena Bonham Carter, con la que contraería matrimonio, dejando a su pareja de años, la modelo Lisa Marie. Una batalla legal por el divorcio, la muerte de su padre, y el nacimiento de su primer hijo, mantienen a Burton en un silencio abrumador hasta el año 2003, cuando reaparece con fuerza con sus películas Big Fish seguida de Charlie y la fábrica de chocolate (2005)  y de nuevo una película de animación, en esta ocasión llamada : La Novia cadáver (2005) con -de nuevo- Johnny Deep y Helena Bohan Carter, en las voces los personajes, y por la que estuvo nominado al  Oscar a la Mejor Película Animada. Actualmente, Tim Burton , es uno de los directores que goza de mayor libertad creativa dentro del encorsetado sistema de estudios hollywoodiense, libertad que no sólo le ha sido otorgada en la realización de sus filmes, sino también en la concepción de las ideas y personajes . Pero esta carta blanca a su creatividad es consecuencia, naturalmente y aparte de su talento nato, debido a la alta rentabilidad económica que ha acompañado a la mayoría de sus creaciones . Vincent http://www.youtube.com/watch?v=ZH3R5ntFK3c    Desván de antaño (mi biblio) http://www.my-forum.org/mensajes.php?nforo=114861 No prometo nada: Haré lo que pueda (foro) http://my-forum.org/foros.php?id=83865 Siempre, en cualquier caso, a su disposición. la Casa http://www.my-forum.org/descripcion.php?numero=2190&nforo=105261 http://www.my-forum.org/descripcion.php?numero=2190&nforo=105261 Nuestro estimadísimo señor Portela, damas y caballeros, ha tenido la gentil amabilidad de hacer llegar el siguiente mensaje: Bergman vive El legado de un genio dell Septimo Arte: Ingmar Bergman, por Oscar Portela BERGMAN VIVE Por Oscar Portela Obertura Ingmar Bergman conquistó prácticamente todos los máximos galardones que puede ganar un cineasta, incluyendo cuatro premios Oscar. La larga serie de laureles comenzó con el Oso de Oro del festival cinematográfico de Berlín, que obtuvo en 1958 con Fresas salvajes. Un año antes de su éxito en la Berlinale, Bergman había participado en la competencia de Cannes con El séptimo sello, que recibió el premio del jurado, pero no la Palma de Oro a la mejor película. El festival francés, sin embargo, lo resarció ampliamente en 1997, en su quincuagésima edición, al otorgarle la Palma de las Palmas, por la obra de su vida. Fue allí donde figuras como Woody Allen, Wim Wenders y Steven Spielberg lo consagraron como el cineasta más importante de todos los tiempos. Bergman el mago de Faró nos dijo solo adiós por Oscar Portela ..."existen fuerzas espantosas que cercan al hombre"... "El silencio"- Pág. 43: "El retorno de lo trágico: Jean Marie Doménech. ED Península. El era el único trágico del cine al que cita en su magna obra "El retorno de la trágedia" el sucesor de Emmanuel Mounier, Jean Marie- Doménech. En realidad si los cuadros y la teología negativa de Dreyer o el hermetismo de Tarkosvski no alcanzan a desentrañar los límites de la condición humana a través de más de cuatro décadas Ingmar Bergman se impuso como tarea ahondar en los hondones del alma humana como nadie lo hizo hasta el momento. Cabría hablar acaso de un anti-humanismo de Bergman frente al neo-humanismo de Kurosawa. De este modo no cabrían dudas de que es él el más importante trágico de la historia del cine: un dramaturgo del linaje de Strinberg que solo admite comparación con Samuel Becketh - el gran silencioso!!!- por su inmersión en la finitud y la capacidad del hombre a través del lenguaje (que es acto del habla), de transformar el mundo, y sobre todo de alcanzar la trascendencia desde lo transmundano, además de la ínter- subjetividad, en el silencio de un mundo que se ha convertido en un museo de fantasmas. Ingmar Bergman supo sacar partido de la gran tradición de Stiller y Bjostrom: no le fué extraña tampoco la ácida comedia burguesa pero como anota Julián Marías en sus dos tomos de "Visto y Oído" es "Cuando huye el día" ( o Fresas Salvajes) su obra más lírica, un bellísimo y cruel adaggietto en el cual su antiguo maestro Sjostrom realiza a pesar suyo su última y más luminosa aparición en la pantalla, el film mas adorable de su opús: el fracaso, la envidia, el egoísmo, la ruindad, se rinden cuentas a si mismas en un viaje donde el costado del sueño le sirve a Bergman para recrear las imágenes más hermosas del cine con un llamamiento a la luz y la salvación final. Ahí los cuadros de Frontisekc Vlacil sobre el medioevo no lo emularan. Sería sin dudas "El séptimo sello" la más perfecta de las ilustraciones del trágico ajedrez que juegan la eternidad y el tiempo, la vida y la muerte, el destino y la libertad, ilustrándonos como Durero el cruel viaje de la vida. "Detrás de un vidrio Oscuro" con reminiscencias de Bresson y el más cruel requisitorio acerca del creador y la fe estériles en éste mundo para mostrar una salida del túnel de la soledad y el fracaso, su más negra descripción del suplicio de la condena que conlleva la culpa. "El mago"- juego irónico acerca de la identidad, la fantasía y la realidad" - nos conduce a "El silencio"- cumbre del solipsismo y el escepticismo bergmaniano-. Al silencio de Dios le corresponden los desiertos en los que habitan los hombres de paja (Elliot) para los cuales las plegarias han muerto y las preguntas también aunque la alegoría se abra sobre una enorme e inquietante pregunta "pregunta": ¿para que?. "La hora del lobo" es también una desesperada búsqueda de la identidad en un mundo de muertas máscaras. De esta inmensa filmografía que inicia otro período de la creación cinematográfica y de otra pátina , quizá sea "Gritos y susurros"- la más perfecta de sus obras : un Rembrantdt mezclado con Artaud sin que "Sonata de otoño" bellísima patética o "Persona", "Cara a cara" - el triunfo del amor y la mistad o "Después del ensayo" -la mejor interpretación de toda la carrera de Ingrid Thulin- sean obras que cedan en calidad ante ese fresco donde la realidad e irrealidad, crueldad y ternuras juegan la danza extática de la mayor tragedia moderna del cine. Su último estudio no nombrada hoy por sus comentaristas - "En presencia del payaso"- vuelve a plantear el problema de la transferencia y el final de ese Schubert que somos todos y que deja abierta una vez más la posibilidad de la salvación. Nadie más que Bergman podía hablarnos del duelo como del conyugio de amor y muerte. Hace algunos años en sus parcas palabras con el periodismo el mago de Faró pidió que si iba al cielo después de terminar un corto en él hubiese una pequeña pero sustanciosa cinemateca: no habló de sus filmes preferidos: aparte de su obra extraída de sus entrañas a voces bordeó el limite de la locura - , de sus negativas a ceder ante cualquier intemperancia del otro ( su relación con Lord Lawrence Olivier) y el fallido intento de poner Hedda Gabler en Londres, a veces de sus imperdonables circunspecciones para retratar a otros en su vejes ( Greta Garbo). Bergman no es un producto sincrético como quiso hacernos creer con facilidad Godard : Mezclad a Girodoux con Heidegger y tendréis a Bergman" . Fuera de las últimas obras de Dreyer como legado al cine solo Orson Welles puede comparársele sin que este haya sido el creador de un cosmos como Bergman. Habló de Tarkovky como del más grande pero hasta el momento Ingmar Bergman está vivo. Nadie tiene porque llorarlo pues no existen perdidas: lo dio todo. El cine no ha perdido nada porque su herencia llena todos los vacíos de un tiempo casi estéril como el nuestro. Como sucedió con la muerte de Martin Heidegger en el terreno de la filosofía, con su huida se cierra una época en la historia del "espíritu del arte". Oscar Portela Corrientes 2007-07-30 Argentina ECOS DE LA MUERTE DE INGMAR BERGMAN El primer ministro sueco, Frederik Reinfeldt, alabó a Bergman como "uno de los mayores dramaturgos del mundo". "Su obra es inmortal", sostuvo, y añadió que la enorme importancia de los aportes de Bergman al cine y al teatro en Suecia y otros países del mundo es difícil de medir afirmó.. "Esta es una pérdida increíble para Suecia, pero incluso más lo es a nivel internacional", dijo Astrid Soderbergh Widding, presidenta de la Fundación Ingmar Bergman, a The Associated Press. El director polaco Andrzej Wajda, declaró en Varsovia que el cine ha perdido a un artista que sabía descubrir el alma de sus héroes. Aunque en ese sentido fue un cine totalmente universal, Bergman supo darle matices estrechamente ligados a su patria, porque los protagonistas se comportaban como suecos, según Wajda. Bergman nos enseñó su Suecia, nos invitó a entrar en las casas de los suecos y a conocer sus problemas, sueños y vacilaciones, nos presentó a los niños suecos y a las mujeres suecas, agregó.Wajda señaló que Bergman demostró a los representantes de otras cinematografías pequeñas, ligadas a la identidad de sus pueblos, que el cine es un arte que permite abordar muchísimos temas diferentes y hacerlo de una manera muy propia, muy singular. Tuve la oportunidad de conocer a Bergman y me impresionó la capacidad que tenía de aislarse, de desentenderse de la gente que quería absorber su atención. Siempre sabía concentrarse exclusivamente en lo que le interesaba y gracias a ello supo crear un cine tan extraordinario" concluyó. Gianluigi Rondi, definió a Bergman como el último de los tres genios del cine de la segunda mitad del siglo XX, junto al italiano Federico Fellini y el japonés Akira Kurosawa, mientras la ministra francesa de Cultura, Christine Albanel, evocó al inmenso cineasta europeo y extraordinario pintor del alma y las pasiones humanas, que lega al patrimonio cinematográfico mundial una obra universal e inmortal y el alcalde de Roma, Walter Veltroni, conocido por su pasión por el cine, indicó que el fallecimiento de Bergman es motivo de gran tristeza y pena. Ingmar Bergman se consideraba a sí mismo como un hombre de teatro: "es toda mi vida", mientras que el cine "es para mí un trauma y una pasión" que quedó plasmada en estos títulos: 1945.- "Crisis". 1946.- "Llueve sobre nuestro amor". 1947.- "Noche eterna". 1948.- "Ciudad portuaria" y "Prisión". 1949.- "La sed". 1951.- "Juegos de verano". 1952.- "Tres mujeres" y "Un verano con Mónica". 1953.- "Noche de circo". 1954.- "Una lección de amor". 1955.- "Sueños" y "Sonrisas de una noche de verano". 1956.- "El séptimo sello". 1957.- "Fresas salvajes". 1958.- "En el umbral de la vida" y "El rostro". 1959.- "El manantial de la doncella". 1960.- "El ojo del diablo". 1961.- "Como en un espejo". 1963.- "El silencio". 1964.- "Esas mujeres". 1968.- "La vergüenza" y "El rito". 1969.- "Pasión". 1971.- "La carcoma". 1972.- "Gritos y susurros". 1973.- "Secretos de un matrimonio". 1974.- "La flauta mágica". 1975.- "Cara a cara". 1977.- "El huevo de la serpiente". 1978.- "Sonata de otoño". 1980.- "De la vida de las marionetas". 1983.- "Fanny y Alexander". Después del Ensayo y La sombra de un payaso. Otras para la Tv. especial para la casa Oscar Portela Siempre, en cualquier caso, a su disposición.   la Casa http://www.my-forum.org/descripcion.php?numero=2111&nforo=105261 http://www.my-forum.org/descripcion.php?numero=2111&nforo=105261 Nuestro estimadísimo señor Portela, damas y caballeros, ha tenido la gentil amabilidad de hacer llegar el siguiente mensaje: El siglo XX se va con los ojos de Michelangelo Antonioni... Michelangelo fue quien diseccionó la falta de horizontes y los vacíos lacunares de los tiempos muertos, que ruedan hoy por las calles del mundo, inundándolo de violencia absurda y sin sentido alguno. ampliar En su trayectoria recibió numerosos galardones internacionales, entre ellos el Óscar Honorífico a su carrera (1995), la Orden Legión de Honor de Francia (1996) y el Premio Félix de Academia Europea de Cine a su obra (1993) Antonioni fue homenajeado por el cine italiano a los 90 años, en septiembre de 2002. No se debe decir rompió con el neorrealismo italiano. No es correcto: aunque haya sido ayudante de Marcel Carné y colaborado con Roberto Rosellini, Antonioni fue el tomógrafo cinematográfico del cine durante más de tres décadas. Pasada la segunda guerra mundial había que mirar la realidad con otros visores. Y solo Reináis lo iguala en capacidad intelectual de análisis de un tiempo en el cual ya no el silencio de lo trascendente    afectaba al humano, sino la tierra, ni árida ni seca sino sin significancia alguna, sobre la cual se elaboró toda la corriente de objetivismo francés o la nouvelle vogue de los años 50. Fue el creador de una estética que tenía un alcance ético y moral: ya no el profundo y visceral de Visconti, Fellini, De Sicca, sino en de un anatomopatología. Michelangelo fue quien diseccionó la falta de horizontes y los vacíos lacunares de los tiempos muertos, que ruedan hoy por las calles del mundo, inundándolo de violencia absurda y sin sentido alguno. Su primer film a diferencia de los maestros del neorrealismo data recisamente de 1950. Con El Grito la critica lo confirma como uno de los mas importantes realizadores el cine. En la obra de Antonioni no existenpersones, sujetos o historias que deban contarse. El hombre se ha ransformado En su propia máscara y es de algún modo la marionetabergmaniana pero ya no conducida espasmódicamente por fuerzas que no domina: son marionetas muertas, drogadas, inútiles, con esos tiempos muertos que no son solo el aporte de una visión estética de la realidad, sino la visión apocalíptica de   - diría Derrida - , de un tiempo diferido. El tiempo de nuestros jóvenes hoy. Evitaremos que la muerte de Bergman nos haga olvidad el legado de Antonioni. Su filmografía completa abajo. Pero nadie puede afirmar que mientras Truffaut el humanista, y Reináis el antihumanista no representaran como él el gran cine Europeo desde los 50 hasta sus colaboraciones con Wender. Al igual que Rosellini fue un intelectual sin par. En una época que buscaemociones, Antonioni esta demás pero puede esperar. Y quizás las profecías de El Eclipse, La noche, El desierto Rojo   o Blog- Up su dialogo maestro con Cortazar sirvan para mostrarnos que Antonioni había ido más lejos en el análisis del avance de la insignificancia y el nihilismo ( citamos a Castoriadis, que muchos otros intelectuales de su época. Con El Misterio de Oberwal basada en El Águila de dos Cabezas de Cocteau se adelanto a experimentar en TV antes que otros, técnicas cinematográficas desconocidas hasta el momento. Hace dos semanas David Hemings, el actor de Blog Un joven aún, moría de un paro cardíaco. Fiel tal vez premonitoriamente a quien lo había llevado al podio de la fama y que ahora abandona su siglo dejando detrás suyo a pocos de aquella y la siguiente generación,   ya casi retirados de un oficio hoy cada día mas trivial y mas vacuo. LQSomos. Oscar Pórtela. Agosto de 2007 Filmografia: 1950 Cronaca di un amore. Guión: Michelangelo Antonioni, Daniéle DAnza, Silvio Giovaninetti, Piero Tellini 1953 I Vinti. Guión: Michelangelo Antonioni, Suso Cecchi DAmico, Giorgio Bassani, Diego Fabbri, Turi Vasile, Roger Nimier 1953 La signora senza camelie. Guión: Michelangelo Antonioni, Francesco Maselli, P.M. Pasinetti 1953 Amore in città (Amore in città. Episodio:Tentato suicidio). Guión: Michelangelo Antonioni 1955 Las amigas (Le amiche). Guión: Michelangelo Antonioni, Alba De Cespedes, Suso Cecchi DAmico 1957 El grito (Il grido).Guión: Michelangelo Antonioni, Elio Bartolini, Ennio De Concini. 1960 La aventura (LAvventura). Guión: Michelangelo Antonioni, Elio Bartolini, Tonino Guerra 1961 La noche (La notte). Guión: Michelangelo Antonioni, Ennio Flaiano, Tonino Guerra 1962 El eclipse (Leclisse). Guión: Michelanngelo Antonioni, Elio Bartolini, Tonino Guerra, Ottiero Ottieri 1964 El desierto rojo (Il deserto rosso). Guión: Michelangelo Antonioni, Tonino Guerra 1965 I tre volti (I tre volti. Episodio: Il provino) 1966 Blow-up (Blow-up). Guión: Michelangelo Antonioni, Tonino Guerra, Edward Bond 1970 Zabriskie Point (Zabriskie Point). Guión: Michelangelo Antonioni, Sam Shepard, Claire Peploe, Fred Gardner 1975 El reportero (Professione: reporter). Guión: Michelangelo Antonioni, Peter Wollen, Mark Peploe 1980 El misterio de Oberwald (Il misterio dOberwald). Guión: Michelangelo Antonioni, Tonino Guerra 1982 Identificación de una mujer (Identificazione di una donna). Guión: Michelangelo Antonioni, Gérard Brach, con la colaboración de Tonino Guerra 1995 Más allá de las nubes (Par delà les nuages/Al di là delle nuvole). Guión: Tonino Guerra, Michelangelo Antonioni, Wim Wenders 1973 Chung Kuo China 1992 Noto, Mandorli, Vulcano, Stromboli, Carnevale Cortometrajes Documentales: 1947 Gente del Pó 1948 N.U., Netezza Urbana 1948 Roma-Montevideo 1948 Oltre loblio 1949 Bormarzo 1949 Lamorosa menzogna 1949 Superstizione 1949 Ragazze in bianco 1950 Sette cane, un vestito 1950 La Villa dei Mostri 1950 La funivia del faloria 1942 I due foscari [co-guionista, ayudante de dirección> 1942 Un pilota ritorna [co-guionista> 1942 Les visitteurs du soir [ayudante de dirección> 1947 Caccia Tragica [co-guionista> 1951 El jeque blanco [co-guionista> 1955 Uomini in piú [producción> 1958 La tempestad [director segunda unidad sin acreditar> (*) Fallecio en Roma, 30 de julio de 2007 Siempre, en cualquier caso, a su disposición. la Casa http://www.my-forum.org/descripcion.php?numero=2108&nforo=105261 http://www.my-forum.org/descripcion.php?numero=2108&nforo=105261 "Marilyn Monroe (...) es el nombre artístico de Norma Jeane Mortensen, actriz estadounidense nacida en Los Ángeles (...). Su madre, Gladys Monroe Baker (el segundo apellido Baker lo llevaba en honor de su primera pareja), trabajaba como prostituta. Bautizó a su hija Norma Jean en honor a la actriz del cine mudo Norma Talmadge (...). Se sabe casi con certeza que su padre fué un tal Stanley Gifford, que acudía "al trabajo" de Gladys, pero se barajan otros nombres. Se ha llegado a mencionar el nombre de Martin E. Mortensen, inmigrante noruego con quien Gladys también tuvo relaciones sexuales" {Wikipedia, dixit (*)}  "Marilyn Monroe (¨) fué la personificación del glamour de Hollywood por excelencia. Su inmenso atractivo fué CAPAZ de conquistar el mundo" (^) "Marilyn Monroe (...) nació el 1 de junio de 1926 (...), hija de una mujer TRASTORNADA" (·)    ¡Oh, Marilyn! Quienes un día van a dejar de existir para siempre, sepultados/as por el voraz olvido, allanados/as de PASMO enamorado, te saludan; sí. Siempre, en cualquier caso, a su disposición. Jaume de Ponts i Mateu jaumedeponts@terra.es Tortosa (Baix Ebre) -Catalunya/UE- 02/06/2007, 0305 hs. a.m. addenta (*) más, si acaso, en, v.g., página: http://es.wikipedia.org/wiki/Marilyn_Monroe (^) más, si acaso, en, v.g., página: http://www.publispain.com/marilynmonroe/biografia.htm (¨) más, si acaso, en, v.g., página: http://www.marilynmonroe.com/ (·) más, si acaso, en, v.g., página: http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article229.html  http://www.my-forum.org/descripcion.php?numero=2053&nforo=105261 http://www.my-forum.org/descripcion.php?numero=2053&nforo=105261 Hitchcock falleció el 29 de abril de 1980, curiosamente el mismo día que nació (en 1854) Poincaré, el día en que se celebra la formación (en 1707) del Reino Unido. Un saludo cordial. http://www.my-forum.org/descripcion.php?numero=1991&nforo=105261 http://www.my-forum.org/descripcion.php?numero=1991&nforo=105261 "Södermalm -arriba y abajo, sí- es una isla de (^) Stockholm (...), que forma la parte sur del centro de la ciudad...." (:) "I want to be let alone" (¨)   "Nació en Södermalm -al lado, sí (:)-, barrio humilde de Stockholm (^), con el nombre de Greta Lovissa Gustafsson. Especialmente conocida con el apodo de "la DIVINA" o "la mujer que no ríe" debido al rictus serio de su rostro, rictus que sólo fué interrumpido en una escena de su memorable film "Ninotchka" (·) en la cual suelta sorpresivamente una carcajada en un hecho que hizo correr ríos de tinta en los periódicos con el titular "la Garbo RÍE"; su vida siempre estuvo rodeada de misterio y de múltiples preguntas que jamás respondió (...); aún hoy su rostro es considerado quizás el más PERFECTO que haya pasado por la gran pantalla (...); NUNCA recibió un Oscar, olvido que años más tarde la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas decidió enmendar con un Oscar honorífico en 1954 que RECHAZÓ, porque según sus propias palabras "NO quería verle la cara a nadie". Su frase más famosa en vida fué "quiero estar SOLA", la cual definió su estilo de vida ermitaño y un tanto huraño, pues a diferencia de otras estrellas la Garbo se mantuvo alejada de los grandes eventos de Hollywood, prefiriendo la soledad y el anonimato. En la CÚSPIDE de su popularidad Garbo se retiró del cine a la temprana edad de 36 años y vivió el resto de su vida en un departamento en New York, cerca de Central Park, totalmente retirada y evitando cualquier contacto con los medios informativos, quienes la acosaron hasta el último momento de su vida persiguiéndola para fotografiarla en su vejez, motivo por el cual se le veía siempre utilizando lentes oscuros y sombreros para ocultar su rostro. Murió en New York a los 85 años de edad víctima de un síndrome renal y de pneumonía..." {Wikipedia, dixit (*)} Hoy, damas y caballeros, es, precisamente, el 17º aniversario de su fallecimiento.    "El largo viaje de la vida de Greta Lovissa Gustafsson (Greta Garbo) arribó ayer (17/06/1999) a su última estación con una sencilla ceremonia fúnebre en Skogkyrkogarden (o, "el cementerio de Skog"), al sur de Stockholm, no muy lejos del lugar en el que los ojos que llegarían a ser de los MÁS bellos del mundo se abrieron por primera vez a la aventura de la vida (...). Las cenizas de la actriz habían sido enterradas el miércoles en una ceremonia íntima, a la que asistieron muy pocas personas. Sólo cuatro periodistas y un fotógrafo fueron invitados como testigos para acompañar a la familia de la actriz y a un reducido grupo de personalidades de la cultura sueca. Las cenizas de la Garbo habían permanecido en una funeraria de New York desde su muerte, en abril de 1990. Su única heredera, su sobrina Gray Reisfield, se había opuesto hasta ahora al traslado de los restos, entre otras cosas, por temor a que la tumba fuera profanada por algún fanático. El Ayuntamiento de Stockholm asegura que ha tomado medidas para garantizar que el discreto sepulcro de "la Divina" sea respetado..." (-)  ¡Ah, la DIVINA!     "Jamás he sentido envidia por nada ni por nadie. Solamente por los actores que tuvieron la DICHA de trabajar con ELLA. Cómo lamento no haber pertenecido a aquella época. Incluso hubiera sido su director en más de una ocasión. Bueno, si ELLA lo hubiese aceptado, claro..." {Paul Leonard Newman (=), dixit (+)} Es IMPOSIBLE olvidarla..; ¿verdad, damas y caballeros? Siempre, en cualquier caso, a su disposición. Jaume de Ponts i Mateujaumedeponts@terra.esTortosa (Baix Ebre)-Catalunya/UE-15/04/2007, 0318 hs. a.m.  addenta (+) más, si acaso, en, v.g., página: http://www.todocine.com/bio/00082977.htm  (=) más, si acaso, en, v.g., página: http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article1541.html  (-) más, si acaso, en, v.g., página: http://www.elpais.com/articulo/ultima/GARBO/_GRETA_/ACTRIZ/ultimo/viaje/Greta/Garbo/elpepiult/19990618elpepiult_1/Tes/  (·) más, si acaso, en, v.g., página: http://es.wikipedia.org/wiki/Ninotchka  (:) más, si acaso, en, v.g., página: http://es.wikipedia.org/wiki/S%C3%B6dermalm  (*) más, si acaso, en, v.g., página: http://es.wikipedia.org/wiki/Greta_Garbo (^) más, si acaso, en, v.g., página: http://es.wikipedia.org/wiki/Estocolmo (¨) más. si acaso, en, v.g., página: http://www.loc.gov/wiseguide/dec04/alone.html  http://www.my-forum.org/descripcion.php?numero=1952&nforo=105261 http://www.my-forum.org/descripcion.php?numero=1952&nforo=105261 "Los special effects {o, corto, SFX o SPFX} se utilizan en la industria de cine o en televisión para conseguir escenas que no se puede realizar por medios normales, como por ejemplo un viaje al espacio. También se utilizan cuando la generación del efecto por medios normales es demasiado cara o peligrosa, como explosiones, etc.. Asimismo, también se utilizan para mejorar elementos en películas que ya se han realizado, por medio de la inclusión, extracción y mejoramiento de objetos dentro de una escena" {Wikipedia, dixit (*)}  ¡Oh, sí!; ¡me ENCANTAN los special effects!; ¿a ustedes no, quizá?; Por cierto..; mañana, ¿no lo recordaban?, es el cumpleaños de, tres veces la nariz en el suelo, el maestro -al lado, sí (^)- a quien debemos, ¡entre otras!, las MARAVILLAS de los reverenciadísimos classiques cuyos carteles pueden ver, también, ilustrando esta modestísima nota.  Seguiremos, sí, con el thema... Siempre, en cualquier caso, a su disposición, damas y caballeros.   Jaume de Ponts i Mateu jaumedeponts@terra.es Tortosa (Baix Ebre) -Catalunya/UE- 07/04/2007, 2115 hs. p.m.   addenta   (*) más, si acaso, en, v.g., página:   http://es.wikipedia.org/wiki/Efectos_especiales   (^) más, si acaso, en, v.g., página:   http://en.wikipedia.org/wiki/Douglas_Trumbull  http://www.my-forum.org/descripcion.php?numero=1931&nforo=105261 http://www.my-forum.org/descripcion.php?numero=1931&nforo=105261 El caballero que utiliza el nick que reza "Oski2" ha tenido la gentil amabilidad de hacer llegar el siguiente mensaje: De la Literatura al Cine, por Oscar Portela   Las mejores adaptaciones   de la Literatura al Cine por Oscar Portela Sin ningún lugar a dudas: "El Proceso" de Franz Kafka, traducida a la imagen por un genio. Orson Welles. En éste momento no existe en el cine del mundo un hombre de la cultura de Welles. Es simple. Su adaptación de Shakespeare en "Campanadas a Medianoche" se convierte en un compendio de Cisne de Avon, por cuanto su personaje , "Faltaff" forma parte de una trilogía teatral que Welles resume en un solo filme, con una la mejores interpretaciones en pantallas jamás lograda por actor alguno en un personaje de repertorio teatra, la de Jonh Gilgud en el papel del padre de "Enrique V". Exiten otros ejemplos, pero éstos desafiós en los cuales el cineasta debe estar no solo a la altura, sino desafiar las alturas de los más dificiles escritores de todos los tiempos, solo fué propia de Welles. Visconti supera en "Muerte en Venecia" el texto liteario de Thomas Mann, por que la obra tiene un registro literario "menor". Lo mismo sucede con Tarkovski y Lemm en "Solaris". Una adapatación brillante y rigurosa de una tragedia griega clásica en la "Igigenia " de Cacoyannis. Y no resultan despreciables los intentos de Dassin con textos de Casansakis, sobre todo, por el lirismo que alcanza en "El que debe morir". Como podríamos enumerar otros films, voy a terminar este breve aporte citando la adaptación que realizó sobre texto de Moravia ( El Conformista) el director Bernardo Bertolucci sin paragonar este film con los primeros ejemplos. Las "colaboraciones" entre Robbe Grillet -Resnais fueron eso, colaboraciones. "El desierto de los tartaros" de Busatti versionada por Zurlinni, es otro ejemplo de lo que se puede hacer cuando los talentos son parejos. El cine actual carece totalmente de éstos maestros de la imagen que pueden o deben remontarce a Dreyer, Breson ( Dialogo de Carmelitas) o Buñuel adaptandoa Blasco Ibañez entre otros. Por último, ver Peter Brooks ( tanto una novela) "El señor de las moscas" de Goulding, a su magnifico "Rey Lear". Un saludo a todos y perdón por la falta de afecto hacia el cine actual. Oscar Portela Siempre, en cualquier caso, a su disposición. la Casa http://www.my-forum.org/descripcion.php?numero=1379&nforo=105261 http://www.my-forum.org/descripcion.php?numero=1379&nforo=105261